Impression 3D : Comment utiliser les secrets d'Hollywood pour dynamiser vos figurines ?!

Salut les passionnés de 3D ! Vous vous êtes déjà demandé comment les grands studios arrivent à donner autant de vie, de poids et d'énergie à leurs personnages ? Aujourd'hui, on va détourner ces techniques d'animation pour les appliquer directement à... vos impressions 3D.

Je m'appelle Thibault, je suis animateur 3D depuis 15 ans. Au cours de ma carrière, j'ai eu la chance de donner vie à des personnages sur des productions hollywoodiennes comme Spider-Man: No Way Home, Les Gardiens de la Galaxie, ou Détective Pikachu. En parallèle, j'ai créé la plateforme AnimStarter pour transmettre cette passion et partager les techniques de l'industrie. 

Le constat que je fais souvent dans le monde de l'impression 3D, c'est le syndrome de la "pose neutre" (la fameuse T-Pose ou A-Pose). Que vous ayez sculpté votre propre créature sur ZBrush ou téléchargé un modèle incroyable sur une plateforme spécialisée, on se retrouve souvent avec une figurine figée, et non dynamique. Ça manque d’action!

Pourquoi se contenter d'imprimer exactement la même statuette que tout le monde ? Dans cet article, on va voir qu'il est possible de "rigger" votre modèle afin de l'articuler, et utiliser les vrais concepts de posing du cinéma pour créer une figurine 100% unique, dynamique, et prête à trôner fièrement sur votre bureau.

C'est quoi un "Rig" exactement ?

Le terme peut faire peur, mais le concept est très simple. Prenez votre fichier STL, cette fameuse 'coquille' numérique. En l'état, si vous tentez de modifier sa pose, la géométrie va se briser.

Le Rigging, c'est l'action de venir glisser un squelette numérique articulé à l'intérieur de votre Character Design. Que votre modèle vienne de ZBrush, de Blender ou Maya, vous pouvez manipuler les articulations comme s'il s'agissait d'une vraie marionnette..

  La pose neutre (les bras en croix ou le long du corps) n'a jamais été conçue pour être esthétique. C'est simplement l'état de repos nécessaire pour placer ce fameux squelette à l'intérieur. Mais une fois le squelette prêt, regardez la différence :

Model et rig par https://firelightanimation.com/

Notre modèle brut (“A pose”  et “T-pose”) . Il est symétrique, rigide, sans aucune intention.

Le même modèle articulé. C'est là que le Character Design prend tout son sens : votre statuette ne se contente plus d'exister, elle raconte soudainement une histoire !

Donner vie avec la "Ligne d'Action"

Pour passer d'un simple pantin articulé à une pose digne d'un blockbuster, on ne bouge pas les membres au hasard. On utilise l'outil visuel le plus puissant des animateurs : la Ligne d'Action.

C'est une courbe imaginaire qui traverse le corps de votre personnage de bout en bout et qui donne la direction principale de son énergie.

• Ce qu'il faut éviter : La ligne droite. C'est l'effet "poteau", qui rendra votre impression en résine molle et inerte.

• Ce qu'il faut chercher : Des courbes fluides en "C" ou en "S" avec la colonne vertébrale. Cela apporte instantanément de la tension musculaire pour une pose d'action, ou de la souplesse pour une pose plus détendue.
  
  (Autres exemples tirés de films à venir)

L'équilibre : Maîtriser le Centre de Gravité

Une belle pose doit être claire dès le premier regard, mais elle doit aussi être physiquement crédible. Dans le cinéma, si un personnage est mal équilibré, l'œil du spectateur le détecte immédiatement : on a l'impression qu'il va tomber. Pour vos impressions, c'est encore plus concret : votre statuette va subir la vraie gravité sur votre étagère.

Pour réussir votre posing, imaginez un fil à plomb qui part du centre de la masse de votre personnage (généralement au niveau du bassin). Pour que la figurine soit stable, ce poids doit retomber à l'intérieur de la "base de sustentation" (l'espace entre les pieds au sol).

• Si le poids est au centre : La pose est stable et équilibrée.

• Si le poids sort de la base : Votre figurine devra compenser par une main au sol, un accessoire, ou elle finira tout simplement par basculer.

Si cette notion physique vous intrigue, je vous invite d'ailleurs à lire mon article complet sur le Centre de Gravité et le poids pour comprendre comment tricher avec la physique tout en restant réaliste.

De l'écran au plateau d'impression

C'est ici que la maîtrise artistique rencontre la réalité technique. Une pose dynamique, avec des membres qui s'étendent ou un corps très incliné, crée de nouveaux défis pour la fabrication.

Pendant que je vous aide à donner du mouvement, l'expertise de La Nouvelle École prend tout son sens pour la suite. Passer d'un modèle virtuel à un objet réel demande de maîtriser l'orientation de la pièce et la densité des supports. Plus une pose est complexe et "aérienne", plus vous aurez besoin de leurs conseils pour placer les supports aux bons endroits afin que votre personnage sorte parfaitement de l'imprimante, sans casse et sans dégrader les détails 

Conclusion

Envie de passer au niveau supérieur ? Si l'art de donner vie aux personnages vous passionne, pourquoi vous arrêter à une pose fixe ? Imaginez pouvoir animer entièrement vos propres créations, du premier pas à la scène de combat épique.

Que vous soyez un curieux qui veut juste dynamiser ses prints ou un futur pro qui rêve de travailler sur le prochain blockbuster, je vous attends sur AnimStarter. On y décortique toutes ces techniques avec une approche simple, fun et surtout... sans abonnement.

Alors, prêt à donner vie à vos idées ? À vos claviers, et bonnes impressions !